Sei personaggi in cerca d'autore di Pirandello: analisi

Senza ombra di dubbio "Sei personaggi in cerca di autore" rappresenta uno dei capolavori di Pirandello e uno dei capisaldi della letteratura italiana, per il suo fondamentale portato di novità e la bellezza che contraddistingue le opere dell'autore siciliano.
Ad un'analisi attenta, infatti, appare evidente come Pirandello non si limiti a rappresentare scene di teatro, come già altri autori in passato avevano fatto, ma mette in scena il teatro in sé, rappresentando l'essenza - e i limiti - dell'arte stessa, a partire dalla vicenda di sei personaggi che, abbandonati dal loro autore quando ancora erano incompiuti, chiedono a un nuovo capocomico di allestire il loro spettacolo, e di definire, dare forma, al loro dramma.

Il primo tema affrontato è, infatti, proprio quello della forma. I personaggi non hanno una forma ben definita in quanto incompiuti, orfani del loro autore, e proprio per questo chiedono di essere completati, dunque realizzati. Avvertono l'incompiutezza, che tuttavia altro non è che è la rappresentazione del fluire della vita: gli individui, le persone reali, autentiche, non sono statici personaggi inchiodati alla loro descrizione e alle loro battute, ma hanno in sé la contraddizione, aspetti diversi che si conciliano e, a volte, contraddicono.

Ma il tema forse centrale dell'opera è l'incomunicabilità, non solo l'incapacità stessa della lingua di esprimere tutte le sfumature del sentire umano, ma anche l'impossibilità per chiunque di capire, dunque rappresentare, le vicende altrui.
Quando gli attori, infatti, provano a mettere in scena il dramma dei sei personaggi, questi si sentono incompresi, quasi offesi, e decidono di interpretare loro stessi le loro storie. Questo perché gli attori non possono che rappresentare un aspetto stereotipato dei personaggi, mentre loro stessi possono mettere in scena tutta la loro complessità e tutte le sfaccettature della vicenda.
Ma l'incomunicabilità non si esaurisce con lo scontro tra attori e personaggi, perché rimane lungo tutta l'opera, opponendo gli stessi personaggi gli uni contro gli altri: ognuno di loro incarna una visione diversa dello stesso dramma, e ogni visione è inconciliabile con le altre.

Ma qual è il vero dramma rappresentato? Non è la storia narrata, che pure anima in un certo senso la commedia, ma è il rifiuto da parte dell'autore, che non più interessato al dramma dei personaggi, alle loro vicende, finisce per lasciarli incompiuti. Rimangono quindi solo i personaggi, gli unici ancora interessati alla loro storia. Ma se la storia è la ragion d'essere del personaggio perché senza egli cessa di esistere, allora negarla significa negare l'esistenza stessa del personaggio, la sua essenza.
Ecco che la solitudine, l'abbandono, diventa un tema centrale di quest'opera, in cui i personaggi, abbandonati a loro stessi senza più uno scopo, sono costretti a costruirsi la loro identità, la loro ragion d'essere.

Il metateatro rappresenta infine un elemento di fondamentale importanza nella sua particolarità. Non si tratta, infatti, solo di descrivere la vita dentro il teatro come altre opere avevano fatto prima di questa, perché qui si abbatte il muro tra finzione e realtà, creando un intreccio tra recitazione e vita vissuta, in cui lo spettatore si trova inevitabilmente a non potersi immedesimare appieno nei sentimenti e nelle azioni dei personaggi.
La stessa struttura della commedia rende evidente questa assenza di forma: non c'è un susseguirsi di scene e atti ben strutturati, ma uno scorrere fluido spezzato solo da due interruzioni che appaiono quasi casuali.
Lo scopo, ovviamente, non è quello di stupire e soverchiare l'ordine "naturale" dell'arte teatrale, perché Pirandello vuole sì rifiutare l'idea di teatro tradizionale, ma solo come arte solitaria, bella e distaccata, per immergerla invece nella tragedia del vivere e per renderla quindi più autentica.